CAMARONES ARTE CONTEMPORÁNEO

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Artistas

arteMA Colectivo de Artistas

Argentina

arteMA colectivo de artistas se constituye como una micro-comunidad de mujeres que opera de forma autónoma y contra hegemónica. Los intereses que abordan se construyen en base a poder ejercer una fisura en la cultura desde el arte, entendiendo a los acontecimientos artísticos como hechos ligados profundamente a la vida en todas sus instancias y con todas sus contradicciones. Buscan deconstruir cánones instaurados por el patriarcado y tejen en redes caóticas otras formas de hacer, de pensar y de vivir. Todas sus acciones son el resultado de un extenso proceso de trabajo que se fusiona desde distintas instancias, tanto teóricas como del hacer fáctico y concreto. No trabajan con una única disciplina específica, sino que utilizan la técnica necesaria para cada acción. No tienen reglas fijas, si muchas vivencias compartidas que permiten abordar un proyecto sin saber dónde va a terminar.

Marino Balbuena

Argentina

En la actualidad reside en la ciudad de Buenos Aires. Estudió Arquitectura, cine y fotografía. Hizo talleres con Alberto Goldenstein, Fabiana Barreda, Juan Travnik y Eduardo Gil. Entre los años 1996 y 2001 formó parte del staff de fotoperiodistas del diario La Nación, luego trabajó free lance para revistas de moda y actualidad de Argentina, España, Francia, Bélgica, Brasil, Chile y Uruguay. Fue becario de la Fundación Telefónica, Intercampos II en el 2006, y mostró sus fotos en el  Centro Cultural Recoleta, Centro Cultural Rojas, Museo Caraffa, OSDE, MARQ, Museo Castagnino, y en las galerías Klemm, Platt, Palatina, Boquitas Pintadas, Arte x Arte y Gachi Prieto (Argentina), Galería Florencia Loewenthal (Chile), Centro de la Imágen (Mexico) y Latin Art Gallery (Praga). A partir del año 2016 se desempeña en el área textil, mostrando su obra en el XXI Premio Klemm a las Artes Visuales, en el Centro Cultural Rojas y es el fotógrafo oficial de las bienales de Performance BP15, BP17 y BP19.ara atraer la atención de tu audiencia...

Miguel Ángel Cárdenes

Argentina

¿De qué trata este ítem? ¿Qué lo hace interesante? Escribe una descripción interesanteEs artista plástico y diseñador de interiores. Se desempeñó como docente en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires desde 1994 hasta 2006; desde 2017 trabaja como docente de arte en barrios bajo los programas del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires y Gobierno de la Provincia de Buenos Aires. para atraer la atención de tu audiencia...

Martín Castillo Morales

1976, Venezuela

Se ha formado como fotógrafo durante los años de trabajo como asistente fotográfico/personal del artista Nelson Garrido en Caracas (1998-1999 y 2004-2007). Tiene un Máster Internacional de Fotografía en la escuela EFTI (Madrid, 1999-2001) y ha tomado talleres de fotografía con diversos artistas como Luis Brito, Marcos López, Alexánder Apóstol, Liliana Martínez, Alejandro Castellote, Manel Esclusa, Lulú Jankilevich, entre otros. Es miembro del equipo editorial y producción de la revista de arte erótico contemporáneo COLADA desde 2017 y docente en la Cátedra Gallo de Fotografía en la FADU desde 2018. Ha sido representado anteriormente por las galerías Oficina #1 (Caracas), Hardcore Art Contemporary Space (Miami), Pabellón 4 Arte Contemporáneo y Studio 488 (Buenos Aires).

La fotografía directa como herramienta de retención, recurso de acercamiento, excusa para la exploración y contemplación y, en ocasiones más experimentales, materia prima de creación, es la columna vertebral de un universo de imágenes que difícilmente dibujan límite entre su vida cotidiana y obra realizada. Es aquí donde la/su sexualidad, los elementos que la rodean, los roles que de ella de se desprenden y el infinito cúmulo de pequeñas historias que la conforman, se materializan en piezas fotográficas, con excepciones cada vez más habituales como el collage, que invitan al espectador a confrontar su propia realidad de unos de los aspectos menos "naturalizados" de su intimidad.

Rocío Corbera

1989, Argentina

Es artista plástica y visual, docente de Artes Visuales, feminista. Nació en 1989 en la provincia de Buenos Aires donde vive y trabaja actualmente como docente en la Educación Pública. Realizó sus estudios secundarios en el ex Polivalente de Artes de San Isidro donde comenzó su formación en las artes visuales. Se recibió de profesora en 2012 en la Escuela de Artes Visuales Antonio Berni. Actualmente cursa la Licenciatura de Artes Visuales en UMSA. “Toda puntada es política” El tema de su obra se basa en el género, recorre y combina distintas técnicas como fotografía, dibujo, pintura y bordado. Participó en muestras colectivas en Espacio Soler, “Malón sub 30” (2018) y en “Para todes, tode” en Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti en marzo de 2019.

Bárbara Hassen

1989, Argentina

Es artista visual, feminista, docente e investigadora. Se formó en el profesorado de artes visuales con orientación en pintura de la Escuela de Arte de San Nicolás de los Arroyos y continúa su formación en Licenciatura de Artes Visuales en la Universidad Nacional de las Artes. Nació en Villa Ramallo (Bs As) y reside en Capital Federal. En su ciudad natal formó parte del colectivo de arte (allaca) el cual realizaba escenografías para los festivales Baldío Jazz e intervenciones callejeras. Participó de exposiciones colectivas en galerías y centros culturales de CABA. Formó parte de cátedra Marotta en pintura OTAV I; II Y III de la
UNA como ayudante Ad honorem. Dictó talleres de arte como orientadora para adultos con diferentes capacidades. Participó de un equipo de investigación de arte y comunicación de la UNA, “RETHOS” donde publicó una acción escrita.

Actualmente colabora en un Proyecto de investigación artística sobre lenguajes artísticos combinados, se desempeña como docente de artes visuales en diferentes instituciones educativas y dicta clases de pintura en su taller.


Desde los inicios de su carrera artística transitó la pintura, performance, realización de objetos, video instalación y arte conceptual. A partir del año 2016 comenzó a articular la pintura con la performance. El hecho pictórico como acto performático. Su investigación se basa en el desarrollo de tensiones entre el mundo de la medicina, específicamente clínica médica y el mundo pictórico, entendiendo la articulación de materiales como una relación de poder y control sobre el soporte (cuerpo o pictórico).

Viviana Debicki

Argentina

Vive y trabaja en Buenos Aires. Es Licenciada en Artes Visuales por la Universidad Nacional de las Artes y docente universitaria. Expuso en espacios institucionales como los Centros Culturales de la Cooperación, Paco Urondo y Haroldo Conti, fue invitada a mostrar su trabajo en las Universidades Nacionales de Rosario, Lanús, General Sarmiento y Quilmes, expuso en el Museo de la Mujer de Buenos Aires, en el Museo Casa Carnacini, en el Museo de San Fernando y en el Centro de exposiciones de la Casona de los Olivera. Con su obra, formó parte de las XIII Jornadas Nacionales de Historia de las Mujeres en la Facultad de Filosofía y Letras, UBA y del proyecto MU, Museo Urbano. Fue distinguida en Móstoles, España, en el Salón Internacional de Libros de Artista. Ha realizado el mural textil que identifica al Observatorio de Género de la Justicia de la Ciudad de Buenos Aires. Su obra forma parte del patrimonio del Museo de las Mujeres de Costa Rica.

Luján Funes

Argentina

Vive en Buenos Aires. Inicia su actividad artística en 1986. Se formó con Enio Iommi, Anibal Carreño, Alicia Romero y Rodolfo Agüero; y posteriormente con Andrea Juan, Rodrigo Alonso, Juan Carlos Romero y Valeria Gonzalez. Ha estudiado filosofía con J. P. Feimann, R. Foster y Ricardo Alvarez y participa de varias clínicas de obra. Expuso en muestras colectivas en la Argentina, Cuba, Brasil, Bolivia, Chile, Canadá, Colombia, Estados Unidos, España, Francia, Italia, Hungría, Perú, Portugal, Venezuela y Uruguay. En 2002 ganó el Primer Premio de la II Bienal de Gráfica Latinoamericana. En 2006 es becaria de la beca Intercampos II, Fundación Telefónica. En 2008 participó de Intercambios 2008. En 2010 participó del Laboratorio de Investigación en Prácticas Artísticas Contemporáneas LIPAC, Centro Cultural Ricardo Rojas, Bs.As, Argentina. En 2007 y 2009 fue seleccionada para la Bienal SIART de Bolivia. Ha obtenido Mención de Honor a la obra “El kiosco – Hemeroteca de Funes”, en la VI Bienal Internacional de Arte Siart 2009 en Bolivia. Mención en el 100 Salón Nacional, 2011, Nuevos soportes.

Su obra forma parte de la colección del Museo de la Memoria de La Plata y de la Colección Castagnino-Macro. Ha sido invitada a participar de Un solo cuerpo, Arte contemporáneo en los Países del Mercosur en el Museo Alejandro Otero, Caracas, Venezuela, y L Caixa, Rio, Brasil en el 2016. Tiene la subvención del Fondo Nacional de las Artes con el grupo Base D datos. Sus últimos trabajos son videos, instalaciones, intervenciones urbanas, muestras e investigaciones gráficas, estudios hemerográficos y performances.

Andrés Langa

1967, Buenos Aires, Argentina

Artista autodidacta, hijo de un maestro de arte y pintor argentino, se crió desde pequeño entre talleres de amigos y colegas de su padre. Fue generando su interés por el arte y en la adolescencia empezó a pintar con diferentes técnicas. Transitó por el arte figurativo y posteriormente su obra tomó un carácter social; actualmente su producción se encuadra dentro del expresionismo. Es miembro del colectivo de artistas La Gran Paternal y es socio de Camarones Arte Contemporáneo. 

Guillermina Lynch

Argentina

Interesada por el arte y el diseño, Lynch estudió en los talleres de Carolina Antoniadis, Constanza Martínez, Rosa Skific, Mónica van Asperen, Laura Messing, Alison Lewinsky, Fabiana Barreda y actualmente en el de Diana Aisenberg. Expone nacional e internacionalmente; entre los espacios en los que expuso se destacan: MAR –Museo de Arte Contemporáneo de Mar del Plata, Centro Cultural Ricardo Rojas, London Design Fair, New York Affordable Art Fair, Bienal de Arte Textil de Madrid (2019), Venice Desing 2019, entre otros.

En sus trabajos, Guillermina explora el terciopelo, sus posibilidades y su simbología. Al intervenirlo con serigrafía, lijarlo y quemarlo, genera distintas texturas que posibilitan nuevos paisajes táctiles. Así como en un estanque las profundidades del barro nutren la biodiversidad de la superficie, en sus telas la oscuridad, la corrosión y la vejez, dialogan con el brillo y la pureza del material original, dando lugar a una nueva belleza: la de los procesos en los que conviven la luz y la sombra, el negro y el color, lo impoluto y la suciedad, lo impecable y lo amorfo.

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Guillermo Mena

1986, Córdoba, Argentina

Técnico Superior en Artes Visuales de la Escuela Provincial de Bellas Artes Líbero Pierini y Técnico en Diseño Gráfico de la Universidad Empresarial Siglo 21 de Río Cuarto. Tomó clínicas de análisis de obra con Daniel Fischer, Rodrigo Alonso, Lucas Di Pascuale y Claudia del Río, entre otros. Expuso individualmente en el Museo Emilio Caraffa en Córdoba 2016, en 2017 fue seleccionado por el Programa PAC de la galería Gachi Prieto, donde recibió la Beca Creación del Fondo Nacional de las Artes, cuyo proyecto fue exhibido en diferentes provincias, con la curaduría de Lucas Despósito y Verónica Gómez.

Paralelamente participa en diferentes proyectos de formación y audiovisuales como artista y director de arte. Actualmente vive y trabaja en Buenos Aires.

En su trabajo se interesa por los procesos y procedimientos que intentan destruir a algo, especialmente en la consecuencia o efecto de lo que queda dañado; los fenómenos reales o imaginarios que pueden terminar en una destrucción violenta de lugares, momentos o recuerdos. Partiendo esencialmente de procesos de dibujo, el artista reflexiona sobre la idea de origen personal, el contenido emocional y simbólico de los materiales. Trabaja con dibujos, fotografías y videos de archivo personales para distorsionarlos; deteriorando su estado inicial, transformando las imágenes. Hay una búsqueda por el accidente y la falla como consecuencia de acciones repetitivas acumulativas.

Nicolás Monti

1976, Buenos Aires, Argentina

Al proyectar y ejecutar acciones de carácter disruptivo en la vía pública, el artista explora las connotaciones estéticas de los distintos dispositivos empleados históricamente por la resistencia civil argentina: pintadas callejeras, intervenciones sobre la arquitectura institucional, movilizaciones y escraches. Este agitprop formalista suele invadir las calles gracias a grupos efímeros y cambiantes que el propio Monti comanda, compuestos por lo general por amigos, amigas y diferentes personalidades de la escena queer nocturna porteña. Dirigió acciones performáticas y colectivas en las calles de Atenas, Berlín, Bruselas, Madrid y Nueva York. Su trabajo de taller está enfocado en la cerámica y en publicaciones pornográficas autoeditadas. 
 

La obra del artista representa obsesiones, intereses y experiencias personales. Por variadas que sean las técnicas siempre tienen algo en común, una constante, que es su punto de vista. Las temáticas recurrentes son los medios masivos de información, el consumo, la religión, el cuerpo humano, la memoria, el espacio público y la disconformidad con lo establecido como eje. Admira la capacidad de creación y su poder. Gestar una idea, desarrollarla y llevarla a cabo es su satisfacción. Algunas de sus obras las trabaja en el taller y en solitario, utilizando técnicas como la fotografía, collage, pintura y cerámica. Otras son pensadas para hacer en grupo y en el espacio público, donde considera que la interacción que se genera con el espectador es muy interesante. Obras de gran magnitud, performáticas o no y en su mayoría efímeras, en donde lo importante es el registro. 

Fanco Mala

1994, Buenos Aires, Argentina

Nació en San Pedro, Prov. Buenos Aires. Con la excusa de estudiar, se vino a vivir más cerca de la capital. Actualmente vive en Lanús del lado del mc y cursa Artes en la Manuel Belgrano.
En el 2014 participó de la Beca de Casa Escuela Proyectarte, dirigida por Eva Grinstein. Durante 2015 -2016 trabajó realizando performances a cargo de Tobias Dirty entre ellas Vagabond, Feminancy, y otras en fiestas con su “alter ego” drag – Porkeria Mala.
Realizó exhibiciones en conjunto con otros artistas en espacios under de la ciudad de Buenos Aires.
En 2017 expuso en “Una época/ninguna época” junto a Gala Olimpia e Ian Ghersi Pombo en el Museo La Ene, curada por Martin Farnholc Halley y Tobias Dirty.
Trabaja en diferentes medios y disciplinas entre ellos: pintura, escultura y performance, abordando temas como el cuerpo, el deseo, la sexualidad y los roles sociales. 

En 2018 participó de “Mestizas” una muestra colectiva con Mauricio Poblete y Andrés Piña en la galería Pasto curada por Nancy rojas. Participó de Canasta Básica grupal con Aye Agüero y en Unidad básica 2019. La expo colectiva Fuego Sonámbulo en Munar. Y "Una historia en la imaginación argentina"también expo colectiva en el Museo de Arte Moderno, curada por Javier Villa. 

Laura Nieves

Argentina

Es Diseñadora Industrial egresada de la Universidad de Buenos Aires, se formó en Artes Visuales en Barcelona y Buenos Aires. Actualmente, es Maestranda en la Maestría en Estéticas Contemporáneas Latinoamericanas, UNDAV. Docente-Investigadora Categoría III . Docente Titular de las Carreras de Diseño Industrial y Medios Audiovisuales, UNAM. Desde el 2013, Docente Adjunto Carrera Diseño Industrial y Fotografía de producto, UNDAV. Desde el 2018, Docente de Postgrado en la Maestría en Tecnologías y Estéticas de las Artes Electrónica, UNTREF. Dirige y participa de varios proyectos vinculados al arte tecnológico, materialidades y temas de género: proyecto en Investigación sobre Electrónica y Género, UNDAV, 2015-2017; directora del proyecto sobre “Materiales en Avellaneda”, UNDAV, 2012-2014; directora Temática proyecto sobre “Residuos y experimentación en materiales”, UNAM, 2008-2011; co- directora del proyecto “Materialoteca Regional”, UNAM; Directora del proyecto de “Robótica Educativa”, UNTREF. Forma parte del Colectivo de Artivista Feministas Electrónicas“ElectroHacedoras”. Co-fundadora de “Espacio Nixso”, laboratorio de proyectos artísticos, espacio dedicado a la difusión de conocimiento tecnológico para artistas, escuelas y niños. Su obra artística participó de varias muestras colectivas, tanto nacionales como ArteBA, Salón Nacional, Muntref, Centro Cultural Recoleta, CCK, como en muestras internacionales como Voltaje en Colombia, University of Washington-Seattle, TADAEX-Iran y NMF Miami.

Rosana Linari

Argentina

Es una artista visual que interroga el cruce de la producción estética y el activismo feminista. Este interrogante se pone de manifiesto en el soporte que recoge el intimismo del bordado junto con la imagen pública y clandestina del stencil.

 

Reside en Puerto Madryn, Provincia del Chubut, desde sus primeros años de vida. Allí desarrolla su tarea como docente,  capacitadora y artista, participando en numerosas acciones de intervención artísticas ligadas a la lucha por los derechos de las mujeres y disidencias. Realizó sus estudios superiores en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón y en la Universidad Nacional de las Artes, alcanzando los títulos de Profesora Nacional de Escultura y de Licenciada en Artes
Visuales. Ha realizado numerosas muestras individuales y colectivas entre las que se destacan las siguientes: muestra colectiva “Para Todes, Tode”; en el Centro Cultural Haroldo Conti, en 2019; y muestra individual de dibujos “Jornadas de desdoblamientos y Periferias Feministas”, Universidad Autónoma de Querétaro, México, 2019. Asimismo, ha recibido numerosas distinciones zonales, provinciales y nacionales. En el año 2007 participó de la convocatoria del Grupo “La Grieta” (La Plata, Buenos Aires) por los “30 años del Golpe” donde una de sus obra fue seleccionada para realizar una plancha de estampillas postales. Siempre tensionando la estética con temas de fuerte impacto social, ha realizado y propiciado numerosos encuentros de artistas locales y regionales en la búsqueda de diversos lenguajes que propicien la construcción de nuevos sentidos.


Las técnicas textiles que ha desarrollado evocan el trabajo y los saberes que le fueron transmitidos en el entorno familiar parecen allí otras mujeres en la tarea silenciosa y poderosa del bordado y el tejido. En una búsqueda personal y colectiva a la vez, trae la materialidad del bordado en diálogo con diferentes miradas de lo erótico y postpornográfico como visión crítica al imaginario patriarcal.

Su trabajo se proyecta como acto continuo que busca establecer redes con otres artistas y seguir indagando las posibilidades de los diversos lenguajes a fin de deconstruir los supuestos de la sociedad patriarcal.

Pao Lunch

1980, Neuquén, Argetina

Nació en 1980 en Neuquén. Es lesbiana, transfeminista, amante de (re)generar otros modos de mirar y de problematizar el ir siendo. Es profesora de Biología, de Química y especialista en Investigación Educativa. Estudió en Bellas Artes y realizó varios talleres y clínicas de producción artística. Asistió a seminarios y conversatorios de Arte Contemporáneo y Política, de nuevas formas de subjetividad, de feminismo y postporno. Obtuvo la Beca subsidio Fondo Nacional de las Artes con el proyecto “Vitrina Arte Contemporáneo Efímero” y “Estudios de Robótica”. Realizó exposiciones individuales y colectivas en galerías y centros
culturales en espacios autogestionados en Argentina, Colombia, México y Chile. Actualmente estudia una especialización en género y la maestría en Estéticas Contemporáneas Latinoamericanas. Coordina talleres vinculados a prácticas artísticas, corporalidades y escritura: en 2017 coordinó junto a Vanina Bradach “Cuando se escapan las palabras”, y en 2018, junto a Juliana García, el taller “Malas Vecinas”.


Su producción se compone de pinturas, dibujos, instalaciones, esculturas, performance, fotografías, videos y collages. Indaga las tecnologías y territorialidades que constituyen sujetxs y subjetividades desde la disidencia sexual. El piquete y la postproducción son su modo de existir en el mundo, por ello, sus prácticas artísticas son contaminantes y poco esencialistas. Trabaja a modo de proceso de investigación y articula conocimientos de ciencias naturales, sociales y artes visuales. Su hibridez salvaje transpira una mirada crítica a la ciencia euroantropoandroetnocéntrica, con apuestas al transfeminismo y con ejercicios decoloniales. Esboza una serie de preguntas acerca de problemáticas actuales vinculadas a la construcción identitaria, a la medicalización de los cuerpos disidentes, a las lógicas extractivistas, a las pedagogías críticas, a la docencia, entre otras. Ella siente que tiene la responsabilidad social de desobedecer, derramar e infectar con producciones poeticopolíticas desde el sur.

María Pichot

Argentina

Se desempeña en el borde entre arte y la participación en las políticas públicas, y entabla un diálogo artístico sobre el esclarecimiento de la violencia de género en prácticas obstétricas violentas o restrictivas. Es egresada de la Universidad del Salvador como Traductora Pública de Inglés y de la Universidad Nacional de las Artes en Técnicas Corporales. El lenguaje, las artes y el movimiento le han permitido tomar contacto con la realidad corporal del embarazo y la complejidad del género para hacerla visible desde el cuerpo.

Dibuja, crea objetos, collages, etc. Estudia artes plásticas y arte contemporáneo. Escribe reseñas de arte contemporáneo para Leedor.com y sobre violencia obstétrica para distintos medios web. Ha realizado dos exposiciones individuales y participó en diversas muestras colectivas. Es miembrx activa de la Asociación Civil Dando a Luz por el derecho a un embarazo y parto seguros y sin violencia, y sigue trabajando e investigando sobre la práctica corporal.

Lía Porto

Argentina

¿De qué trata este ítem? ¿Qué lNace en la Patagonia, actualmente vive y trabaja en Buenos Aires. Estudió derecho (grado y carrera de posgrado) en la UBA donde se recibe con diploma de honor. Luego se dedicó a las artes visuales, formándose a través de clínicas y talleres (C. Antoniadis, T. de Sagastizábal, Chiachio & Giannone, E. Stupía, M. Gómez Canle, P. Bosch, entre otros). Exhibió sus trabajos en Argentina, Estados Unidos (NY, Miami y Chicago) y UK. En 2018 fue seleccionada dentro del programa de artes visuales del CC San Martin donde realizó una muestra individual. Participó de numerosos salones y premios, entre los que se destacan: Salón Nacional de Artes Visuales, Palais de Glace, Salón Nacional Manuel Belgrano del Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori, Salón de Artes Plásticas Fernán Félix de Amador, Salón del Museo de Arte Contemporáneo de Junín, Premio de Pintura Bancor Museo Tamburini, Córdoba, y la Bienal de Pintura, Premio Ciudad de Rafaela. Recibió el primer premio adquisición del III Salón Nacional Vicentín en 2014, Museo Julio Pagano y también fue premiada con mención en los Premios a la Creación Artística de la Universidad de Belgrano 2011.o hace interesante? Escribe una descripción interesante para atraer la atención de tu audiencia...

Saúl Rivas

1981, Venezuela

Graduado del Instituto Experimental de Arte Armando Reverón (UNEARTES, 2006), su especialización son las Artes Gráficas las que posteriormente fusionó con Pintura, Escultura y Medios Mixtos. Realizó la Maestría en Artes Electrónicas (UNTREF). Estudió Cine en el Sindicato de Cine Argentino, especializándose en Montaje y Colorimetría. En 2018 fue seleccionado para el Programa de Artistas PAC en la galería Gachi Prieto. 

 

Los tópicos que circundan su obra son los cambios políticos y sociales de su país de origen, la condición de individuo migrante y la memoria gráfica como traductor de la memoria colectiva. En vista de que entiende la memoria como una forma discontinua y a veces insólita, ha elegido al collage como la fórmula idónea para representarla: ya que los atributos y singularidades que arroja la combinación de esta técnica con la del dibujo y la palabra escrita son lo más cercano a dicho carácter multiforme, multi-referencial, fragmentario, aleatorio, acumulativo, profuso, en fin, caótico, que poseen los recuerdos. 

Nilda Rosemberg

Argentina

¿De qué trata este ítem? ¿Qué lo hace interesante? Escribe una descripción interesante para atraEgresó de ESAV Bahía Blanca (2001) con el título de Profesora Superior de Artes Visuales y realizó clínicas de obra con Hasper, Aisenberg, de Sagastizabal y de Caro, entre otros. Participó de encuentros de reflexión y producción, (Fundación Antorchas) y obtuvo en 2003 la Beca para Artistas del Interior del FNA. Participó de TRAMA. Ganó la beca del Ministerio de Cultura de Nación para el proyecto Archivo Broderie (2015). Participa desde 1999 en muestras y festivales de modo individual y colectivo (MAC Bahía Blanca, Casona de los Olivera, C.C. Recoleta, Fundación Lebenshon, MACRO, Casa del Bicentenario, C.C. Paco Urondo). Fue seleccionada para participar de residencias nacionales e internacionales: Nativo y Foráneo y Tras-acciones Utópicas, organizadas por el CRA, Curadora, Manta, Ayny Lab, Demolición Construcción, entre otras. Realizó talleres de perfomance con Melero, Ramos, Kovadloff y Cardinal y Sinead O¨Donnel (Irlanda). Fue seleccionada por C.I.A para: “la performance y los dispositivos corporales". Investiga y experimenta en el campo de las artes visuales y performáticas. Desarrolla su obra a partir de los elementos textiles. Recientemente ha presentado su tesis titulada “Performatividad Textil” en la Maestría en Artes Performáticas en la UNA. Dicta talleres de producción y reflexión de arte, realiza curadurías y diseño de montaje de exposiciones. Coordina “Entre dos patios, casa taller” espacio de formación para artistas, en CABA. Es ayudante en la cátedra Taller de Performance II (Maestría en Teatro y Artes Peformáticas. UNA.) Coordinó espacios de residencias: Semilla Salvaje (Córdoba), Originario (Cura Malan), Umbral Espacio de Arte (Caba), Cabo Raso (Chubut).er la atención de tu audiencia...

Verónica Ryan

Argentina

Estudió Psicóloga social en la Primera Escuela de Psicología Social Pichón Riviere. Vivió durante 25 años en General Villegas, provincia de Buenos aires. Allí trabajó durante diez años en Aderid, centro de día y rehabilitación para personas con discapacidad. Participó en la organización de las jornadas homenaje a Manuel Puig. Asistió a los talleres de Virginia Rivera y Ana Uriarte. Asistió a la Escuela de Arte Carlos Torrallardona en Pehuajó. A su vuelta a Buenos Aires se formó en serigrafía textil en el taller Muchatela con Constanza Martínez. Participó de los talleres de arte contemporáneo a cargo de Rosa Skific. Participó del Seminario de arte textil con Leo Chiachio y Daniel Giannone. Concurrió a la residencia TIERRA a cargo de Margarita García Faure. Dictó Talleres de serigrafía textil en el programa Arte en Barrios de la Sec. de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires. Actualmente toma clínicas de arte con Margarita García Faure y Constanza Martínez.a este ítem? ¿Qué lo hace interesante? Escribe una descripción interesante para atraer la atención de tu audiencia...

Alberto Sassani

1976, Buenos Aires, Argentina

Si bien es un artista autodidacta, ha realizado talleres de pintura y escultura con importantes maestros. Su interés por las artes escénicas lo llevaron también a una formación actoral, siendo integrante del grupo El Periférico de Objetos. Ha participado en gran cantidad de muestras colectivas e individuales, como en ferias de arte locales e internacionales; desde el 2008 al 2016 gestionó Perro Verde, un espacio de arte pionero en el barrio de Chacarita. En 2019, expuso obra en RAF (Rojo al Frente, en la localidad de San Martín) y en la galería Cecilia Caballero. Participa del colectivo La Gran Paternal y tiene su taller junto al arista Diego Bianchi.

Su trabajo elabora en simultáneo el ejercicio de desapego y el trabajo de reapropiación respecto de su producción de los años anteriores; poniendo el foco sobre los procesos de “reciclaje” -de materiales de descarte, de lo suplementario de otras obras, de los restos de otros proyectos-, intenta explicitar las relaciones entre los distintos aspectos involucrados en el quehacer cotidiano como el inestable equilibrio entre la autorrealización personal y la fuente de ingresos, las dinámicas familiares, entre otros. De ahí cierto carácter "intimista" que caracteriza su producción: mostrando en qué se han convertido las obras que a priori eran otros trabajos, trabajando las obras como si fueran "sobras" de un momento anterior; dando testimonio de la distancia que separa lo que se hace de lo que se hizo. En definitiva, todo eso que el discurso de autoayuda expresa con la banalidad del "soltar", y que también puede entenderse como un “trabajo de duelo”, en el sentido de elaboración de pérdidas, respecto de aquello que, de un modo u otro, "ya fue". 

Dayana Santiago

1973, Venezuela

Vive y trabaja en Buenos Aires, Argentina. Es Licenciada en Artes, con mención Plástica de fundamentos teóricos (Universidad Central de Venezuela, 2004), y Licenciada en Artes Plásticas, con Mención Gráfica, además realizó estudios complementarios de Escultura (Instituto Universitario de Estudios Superiores Armando Reverón, UNEARTE, 2010).

 

Su trabajo se remite a las experiencias que dialogan entre la teoría y la práctica del arte dentro del lenguaje instalativo . Fundó el colectivo Rivoltare donde desarrolló su cuerpo de obra por más de diez años, así como también participó en la ampliación de prácticas sensibles desde y para la población con discapacidad visual.

Actualmente desarrolla en paralelo proyectos como Oasis Tattoo (Estudio de tatuaje y residencia para artistas tatuadores y tatuadores artistas a nivel internacional) Laboratorio Archipiélago (Estudio dedicado a la investigación del espacio y la música como herramientas Plástica a nivel internacional), con la intención de profundizar en un cuerpo de trabajo multidisciplinario donde se entrecrucen los lenguajes del cuerpo, la arquitectura y la música. Ha realizado muestras individuales y colectivas, así como participación en ferias dentro y fuera del país .

Juan Carlos Urrutia

1981, Venezuela

Es Diseñador gráfico, especializado en Conservación y Restauración y cuenta con un postgrado en Gestión del Patrimonio Cultural Inmaterial. Es coordinador del Programa Centro Cultural Nómade (Proa, 2017-2019), Gestor Territorial y Coordinador de Proyectos Culturales para el Instituto de la Vivienda de la Ciudad, Montajista, Realizador escenográfico y docente. 

Ha recibido diversos reconocimientos por sus obras y ha realizado exhibiciones individuales como colectivas. Vive y trabaja en el barrio de La Boca, en el estudio Villafañe. 

Trabajando a partir de la observación y exploración, como forma de acercarse y tomar distancia del mundo, el artista va construyendo una búsqueda personal que conforman su “geografía emocional”. 

A través de un meticuloso proceso de recolección recupera pedazos de cosas, objetos y cuerpos que se articulan bajo un criterio de tensiones entre lo natural y lo artificial, el monumento y la ruina; permitiéndose explorar amplios territorios culturales en donde estos residuos actúan como fragmentos inútiles de algo o de alguien, conformando así un registro de los más diversos comportamientos sociales. 

Produce objetos plásticos de dimensiones, materialidades y abordajes conceptuales variables, que transitan lo efímero, se adecuan espacialmente y actúan como evidencia. 

María Laura Vázquez

Argentina

Es artista visual, fotógrafa y docente. Inicia su formación en la Escuela Panamericana de Arte donde obtiene el grado de Técnica en Fotografía. Continúa perfeccionándose en el S.I.C.A y obtiene el título de Técnica en Dirección de Fotografía y Cámara. Se encuentra desarrollando su tesis para la maestría en Estéticas Contemporáneas Latinoamericanas en la UNDAV. Trabaja desde una perspectiva que entiende al arte como una instancia de posible libertad. Su interés radica en las corrientes estéticas y políticas que habilitan cuestionar el canon y posibilitan la desobediencia como forma de resistencia y creación. Establece cruces tanto entre los espacios académicos FADU-UBA, UNDAV, EAF y otros territorios muchos, en donde poder poner en práctica las teorías. Dirije el proyecto de investigación, ̈DESPATRIARCAR LA MIRADA ̈, FADU-UBA 2019/2021. Forma parte del colectivo feminista de artistas visuales, arteMA.

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